Im Hof des Az W
Jeden Mittwoch ab Mi 28.6. bis Mi 6.9, jeweils 17 – 19 Uhr

„Wir glauben, dass ein Verständnis davon, wie Dinge gemacht sind und wie Materialien zusammenfinden, zu einer intensiven Auseinandersetzung mit den Problemen und den Möglichkeiten der realen Welt führt“, so das Londoner Assemble Studio.

Dieser Überzeugung folgend startet das Team des Az W einen handwerklichen Selbstversuch. Im Pavillon im Hof des Az W, den Assemble gemeinsam mit Studierenden errichten, wird gewerkt, modelliert und gebrannt. Jeden Mittwoch finden Sie zwei Vertreter*innen des Hauses in Aktion. Machen Sie mit oder kommen Sie auf einen Gedankenaustausch zur Ausstellung!

Die Kuratorinnen Angelika Fitz und/oder Katharina Ritter führen durch die Ausstellung „Assemble. Wie wir bauen“, geben Hintergrundinformationen zu den Projekten, zur Entstehung der Ausstellung und erläutern ihren persönlichen Bezug zum Architekturkollektiv Assemble.

Ein Leben in permanenter Bewegung, minimaler privater Lebensraum und geteilte Infrastrukturknoten – so sahen die Utopist*innen der 60er-Jahre die Zukunft. Und tatsächlich findet man heute vermehrt Menschen, die diese Lebensweise – freiwillig oder unfreiwillig – angenommen haben.


Rast
AT 2016, 55:00 min, OmeU, R.: Iris Blauensteiner

„Bagni“ (Bad) steht in großen Neonbuchstaben an einem kleinen roten Ziegelgebäude: Dies ist die letzte öffentliche Badeanstalt der Stadt Turin. In diesem Mikrokosmos werden während eines der intimsten Momente ihrer täglichen Routine – der persönlichen Hygiene – die Geschichten der Menschen erzählt, die aus unterschiedlichen Motiven und sozialen Hintergründen auf die Badeanstalt angewiesen sind. Es ist ein Ort des Konflikts, denn Armut nimmt oft als Reaktion auf die damit verbundene Scham die Gestalt von Gewalt und Zorn an. Es ist ein Ort der Integration, denn wo Armut herrscht, erfahren altruistische Werte eine Wiedergeburt.
Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=OJe-lppBUa0

In Kooperation mit wonderland – platform for european architecture und dem MuseumsQuartier Wien
Jury Open Call: Karoline Mayer, Marlene Rutzendorfer, Daniela Schulhofer
Schlechtwetterlocation: Az W Podium

Die speziell für Wienunkundige und neue Stadtbewohner*innen ausgerichtete Führung durch die a_schau des Az W gibt die Möglichkeit, im gegenseitigen Austausch mehr über das neue Land und seine Architektur zu erfahren.

Führung in englischer Sprache

Begleitend zur zehnten künstlerischen Verhüllung des Ringturms im Sommer 2017, für die der serbische Künstler Mihael Milunović gewonnen werden konnte, widmet sich der Wiener Städtische Versicherungsverein im Rahmen seiner Reihe „Architektur im Ringturm“ dem architektonischen Wirken von Aleksej Brkić (1922–1999). Brkić zählt zu den bedeutendsten Architekten im Belgrad der Nachkriegszeit und gilt als wichtiger Wegbereiter der serbischen Moderne. Die kommende Schau präsentiert zahlreiche Bauten des Belgrader Architekten, die heute zu den Eckpfeilern der Architektur Serbiens in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zählen. Zeitgleich mit der Ausstellung sind im Ausstellungszentrum auch Werke von Mihael Milunović zu sehen und auch das Schaffen von Robert Hammerstiel, der im serbischen Vršac geboren wurde und 2007 für die Ringturmverhüllung verantwortlich zeichnete, wird beleuchtet.

Aleksej Brkić – Architekt in Belgrad
Aleksej Brkić (1922–1999) ist die zentrale Persönlichkeit der Neo-Avantgarde in der serbischen Architektur der 1960er und 1970er Jahre. Vergleichbar mit ihm ist Bogdan Bogdanović, wobei sich Bogdanović der Theorien der Stadt und der Gedächtnisskulptur widmete. Für die heutigen Architekten unterscheiden sich Brkić’ und Bogdanović, der die letzten zehn Jahre seines Lebens in Wien verbrachte, etwa in ihrem Provokationspotenzial: Aleksej Brkić nimmt durch die Authentizität seiner Einstellung und seines Ausdrucks einen besonderen Platz ein und ist eindeutig der wichtigste Rückhalt für die autochthone Gestaltungskraft der Architektur der Moderne in Serbien.

Eine logische, mitunter Gesetzen der Mathematik folgende, funktionalistische Komposition, Proportion und Plastizität kennzeichnen die Architektur Brkićʼ, die auch im internationalen Vergleich höchsten Ansprüchen standhält. Sein hoher Anspruch mag für die relativ geringe Zahl von realisierten Werken verantwortlich sein. Zwei davon stehen unter Denkmalschutz und zählen gemeinsam mit seinen anderen Bauten zu den Eckpfeilern der Architektur Serbiens in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Brkić arbeitete stets allein, dokumentiert ist lediglich seine Nähe zu Bogdan Bogdanović in früheren Jahrzehnten und später zu Aleksandar Keković. Zudem zeichneten ihn Präzision, Beflissenheit und enorme Arbeitsdisziplin gepaart mit viel Energie aus. Darüber hinaus pflegte er einen überaus üppigen Umgang mit Farben.  

Zeit seines Lebens war es Brkić auch ein großes Anliegen, in den internationalen Kulturkontext eingebunden zu sein. Viele Ikonen der klassischen Moderne ebenso wie zahlreiche historisch bedeutsame Bauten hat er vor Ort begutachtet. Vor allem in jüngeren Jahren zog es ihn an das östliche Mittelmeer und damit an alle wesentlichen Punkte der Baukunst alter Zivilisation, der Antike, des byzantinischen und osmanischen Mittelalters.

Allerdings wollte er seine Vorbilder unter keinen Umständen formal kopieren, im Gegenteil: Er hinterfragte sogar die Berechtigung der klassischen Moderne und ging auf Distanz zu deren Auswüchsen oder gar doktrinärer Agitation. Mithilfe einer eigens entwickelten, reflektierten, ganz persönlichen Entwurfstheorie hat er sich durch kritisches Hinterfragen der Resultate der Moderne, aber ebenso durch eine individuelle kritische Haltung gegenüber allzu offensichtlich modischen Zeitströmungen in jede Bauaufgabe vertieft.

Schon früh beschäftigte sich Brkić zudem mit Architekturtheorie, die er später auch an der Technischen Universität Belgrad unterrichten sollte – gleich mehrere Publikationen sind Zeugnis seiner theoretischen Beschäftigung mit der Architektur der Öffentlichkeit. Er selbst studierte – mit Unterbrechungen – in den Jahren von 1940 bis 1948 Architektur an der Technischen Universität Belgrad. Während seiner Studiumszeit lernte er Bogdan Bogdanović und Mihajlo Mitrović kennen, mit denen zusammen er später das Dreigestirn der architektonischen Nachkriegsmoderne in Belgrad darstellen sollte.

Zu seinen wichtigsten Professoren zählt Milan Zloković, eine der Vaterfiguren der Moderne in der Hauptstadt des neuen, südslawischen Staates nach dem Ersten Weltkrieg. Von Anfang an hat die international-moderne sogenannte „Stahl-Glas-Architektur“ – Ergebnis der heroischen Erneuerungsphase der Zwischenkriegszeit – den jungen Brkić beeindruckt.
Nicht zuletzt darf sein multikultureller Hintergrund nicht außer Acht gelassen werden, der mit Sicherheit auch die architektonische Persönlichkeit Aleksej Brkić maßgeblich geprägt hat. Aleksej Brkić wurde 1922 in Kikinda, im Nordosten Serbiens, geboren – in eine Familie, deren Ahnen aus verschiedensten Nationen und Regionen stammten. Der Sohn eines Offiziers und einer Deutschlehrerin genoss eine klassisch-polyglotte Bildung, inklusive Klavierunterricht. Neben seiner Muttersprache Serbisch sprach Brkić seit seiner Jugend gut Englisch und Deutsch, auch Russisch und Latein waren ihm vertraut.

Katalog:
Architektur im Ringturm XLVII: Aleksej Brkić – Architekt in Belgrad
Adolph Stiller (Hrsg.), rund 180 Seiten, mit Beiträgen von Bogdan Bogdanović & Bojan Kovačević
Preis: 28 Euro

Kuratoren:   
Adolph Stiller, Bojan Kovačević (Präsident der Akademie der Architektur Serbiens)

Wie wir bauen, wie Dinge gemacht sind, wie Materialien zusammengesetzt werden, an diesen Verhältnissen zeigt sich der Zustand einer Gesellschaft.

Um die Veränderung des Status quo durch gemeinschaftliches Handeln geht es in der Arbeit des Londoner Kollektivs Assemble. Dabei verbinden sie in einzigartiger Weise soziale Aktivierung, poetische Räume, ökologische und ökonomische Nachhaltigkeit. Ihre Projekte sind Prototypen dafür, wie die Gesellschaft anders bauen könnte. Das Architekturzentrum Wien zeigt die weltweit erste Überblicksausstellung zum Werk von Assemble.

Die 18 Mitglieder des Kollektivs haben 2010 nach Abschluss unterschiedlicher Studien an der Universität Cambridge ihre Zusammenarbeit begonnen und bereits 5 Jahre später den Turner-Preis, Europas angesehenste Auszeichnung im Bereich zeitgenössischer bildender Kunst, erhalten.

Schon ihr Erstlingswerk Cineroleum, ein temporäres Kino in einer aufgelassenen Tankstelle, sorgte für Aufmerksamkeit. Kurze Zeit später schufen sie mit dem Yardhouse leistbare Ateliers und eine kulturelle Landmark sowie mit dem Blackhorse Workshop eines von mehreren Sozialunternehmen in ihrer jungen Karriere. Im Rahmen von Granby Four Streets arbeiten sie gemeinsam mit dem lokalen Community Land Trust an der architektonischen, sozialen und ökonomischen Wiederaneignung eines historischen Arbeiterviertels in Liverpool. Ganz aktuell planen sie die neue Kunstgalerie des Goldsmith College in London.

In der Ausstellung machen Assemble zehn ihrer realisierten „Prototypen“ in großmaßstäblichen Installationen räumlich erlebbar. Was kann Wien von Assemble lernen? Um dieser Frage nachzugehen, wurde zusätzlich mit der TU Wien eine Gastprofessur von Assemble etabliert. Parallel zur Ausstellungseröffnung bauen Studierende im Hof des Az W einen Pavillon, der über die Sommermonate zur öffentlichen Werkstatt und zum luftigen Treffpunkt wird.

Kuratorinnen: Angelika Fitz, Katharina Ritter

Wie können wir Wien als Ganzes fassen? Der Versuch, der immer größer werdenden Stadt visuell beizukommen, fasziniert seit Jahrhunderten – ob in Form von klassischen Panoramen, Vogelschauen oder Plänen. Doch diese befinden sich stets im Spannungsfeld zwischen Vollständigkeitsanspruch und Fragmentierung, zwischen Sichtbarmachung und Verdecken, zwischen Orientierung und Kontrolle. Sie bilden nie das „reale“ Territorium zur Gänze ab, sondern sind auch Modell, Bild oder Vision der Stadt.

In der Ausstellung werden nicht nur einige der ältesten, größten oder berühmtesten Pläne, Panoramen und Modelle Wiens gezeigt, sondern ebenso seltene thematische Karten oder künstlerische Zugänge und Designprodukte bis hin zu gegenwärtigen partizipativen Bestrebungen, „Mapping the City“ auf die Bedürfnisse minderprivilegierter Gruppen anzuwenden. Außerdem werden traditionsreiche, aber auch neue Aussichts­punkte der Stadt exemplarisch beleuchtet – von Stephansturm und Kahlenberg bis hin zum heutigen Hochhaus. Die Ausstellung soll BesucherInnen ermun­tern, die Stadt mit anderen Augen zu sehen und sich auch aktiv in deren Darstellung einzubringen.

Kurator/in:
Sándor Békési, Elke Doppler

Mitarbeit:
Isabel Termini

Ausstellungsarchitektur:
the next ENTERprise Architects

Grafik:
Larissa Cerny

Die Vision eines digitalen Humanismus rückt bei der Vienna Biennale 2017 in realistische Nähe. Unter dem Motto Roboter. Arbeit. Unsere Zukunft werden kreative Denkräume für lebenswertes Menschsein und Arbeiten sowie für eine nachhaltige Nutzung von Robotik und künstlicher Intelligenz im digitalen Zeitalter geschaffen. Beiträge aus Kunst, Design und Architektur skizzieren das gemeinsame Potenzial von Robotern und menschlicher Arbeit als Chance für einen human motivierten positiven Wandel.

Die Vienna Biennale richtet sich nicht nur an Kunst-, Design- und Architekturinteressierte, sondern an ein breites Publikum, das mit den Möglichkeiten der freien und angewandten Kunst für die Herausforderungen unserer Zeit sensibilisiert werden soll.

Ausstellungen und Rahmenprogramm siehe link

Die Ausstellung ARTIFICIAL TEARS. Singularität & Menschsein – Eine Spekulation zitiert ein Kapitel der Menschheitsgeschichte, das noch nicht geschrieben wurde. 13 künstlerische Positionen eröffnen Hypothesen, stellen Fragen und liefern Impulse zur Auseinandersetzung mit dem vom amerikanischen Futuristen Ray Kurzweil prognostizierten Zeitalter der Singularität, die durch das exponentielle Wachstum von Technologie und hochintelligenten maschinellen Schnittstellen herbeigeführt wird.

Mit den wachsenden Möglichkeiten der Koppelung von Wissenschaft, Medizin und Technologie werden die kühnsten und schrecklichsten Visionen der Science-Fiction gleichermaßen greifbar und schleichend in unseren Alltag implementiert. Die Grenze zwischen lebendiger und unbelebter Materie wirkt zunehmend unplausibel, so wie die Unterscheidung zwischen „wirklichen“ Menschen und ihren Medieninkarnationen, zwischen „originalen“ Objekten und Dummies.

Viele der utopischen oder dystopischen Narrationen des 20. und 21. Jahrhunderts entwickeln Szenarien einer durch Technologie als Werkzeug für Überregulierung und Überwachung geprägten und letztlich in ihrem „Menschsein“ zutiefst erschütterten Gesellschaft. Es stellt sich die Frage, wie wir als Menschen der wachsenden Entmündigung durch die von kapitalistischen und politischen Systemen kontrollierten Technologien entgehen wollen und ob wir den Mut aufbringen werden, um unsere Freiheit als Gesellschaft und als Individuen zu kämpfen – und zwar vorrangig gegen uns selbst: Wenn unsere Utopien scheitern, müssen wir anfangen, die Potenziale unserer Dystopien zu nutzen.

StadtFabrik
Ein Projekt des MAK und der Wirtschaftsagentur Wien mit ihrem Kreativzentrum departure

Die Ausstellung StadtFabrik: Neue Arbeit. Neues Design im Rahmen der VIENNA BIENNALE 2017 erarbeitet drei gesellschaftlich relevante Themen zur Arbeit der Zukunft: neue kreative Arbeit und spartenübergreifende Ko-Kreativität, neue soziale Arbeit einschließlich Arbeiten für Gemeingüter (Commoning) sowie neue nachhaltige Arbeit im Sinne von Kreislaufwirtschaft und innovativer Nutzung städtischer Ressourcen.

In ihrer Installation LeveL – the fragile balance of utopia beschäftigen sich die DesignerInnen mischer’traxler studio (Katharina Mischer und Thomas Traxler) mit der Bipolarität der Utopie als komplexes Konstrukt aus individuellen und gesellschaftlichen Idealen: Ein fragiles System im ständigen Balanceakt zwischen den Bedürfnissen des Individuums und jenen der Gesellschaft.

mischer’traxler studio bedienen sich für die raumgreifende Installation LeveL der Metapher eines Mobiles als Modell für die Utopie, das zugleich als Luster fungiert. Das Hängeobjekt erzeugt seine volle Strahlkraft nur im ausbalancierten Zustand. Jede Bewegung im Raum – ob durch BesucherInnen oder durch Luftzug und Erschütterung – transformiert sich in die Gestalt und damit die Leuchtkraft des Objekts. Solange die Struktur nicht im Gleichgewicht ist, schwankt auch die Lichtintensität. LeveL ist eine interaktive Installation, die BesucherInnen einlädt, über die vielen Faktoren – einschließlich sich selbst – zu reflektieren.

In einer zunehmend von digitalen Technologien und Interfaces bestimmten Welt rückt die Interaktion zwischen Menschen und Dingen in den Fokus des Interesses. Vor dem Hintergrund neuer digitaler und sozialer Settings analysiert die Gruppenausstellung ich weiß nicht – Wie die Beziehungen zwischen den Dingen wachsen das Verhältnis von Subjekt und Objekt. 17 Positionen vorwiegend in Österreich lebender und arbeitender zeitgenössischer KünstlerInnen entspinnen im Rahmen der VIENNA BIENNALE 2017: Roboter. Arbeit. Unsere Zukunft eine Narration zum Affekt der Dinge.

Mit dem neuen Format eines Schaufensters zum Hof lenkt das Az W den Blick auf die einzigartige Sammlung des Hauses.

Das Schaufenster verdient unsere architekturgeschichtliche Aufmerksamkeit. Die fortschreitende Industrialisierung hatte das Aufkommen von großflächigen Glasscheiben ermöglicht, die auch für Architekt*innen zum gestalterischen Experimentierfeld wurden. Ihre suggestiven Displays waren Chiffren der modernen Großstadt, die den BetrachterInnen eine Perspektive in die Zukunft eröffneten und gleichzeitig der Geschmacksschulung dienten.

Zum Auftakt der neuen Serie „Sammlung mit Aussicht“ wenden wir uns einem Pionier des Schaufensters zu – dem Architekten und Designer Oswald Haerdtl (1899–1959) und machen das Motiv der Inszenierung selbst zum Thema. Gemeinsam mit dem „grafischen Büro“ wird dem besonderen Reiz seiner Portal- und Produktgestaltungen nachgespürt.

Sein 1999 aus dem Stadtbild verschwundenes Espresso Arabia am Kohlmarkt war ein Meisterwerk weltgewandter Interpretation der Wiener Kaffeehauskultur. Farbgebung und kurviges Design kombiniert mit modernsten technischen Raffi nessen sind beispielgebend für den Zeitgeist der 1950er Jahre. Haerdtls Arabia gehört zu den Highlights eines unverwechselbaren wienerischen Corporate Design, das sich weit in den Stadtraum öffnete. In der Dauerausstellung wird das Thema parallel zum Schaufenster anhand von Originalzeichnungen vertieft.

Kuratorin: Monika Platzer